Fotos por Tommy Muriel, Israel Sánchez-Coll, Pedro Barriera y Jaime Frank

“El tono del Jazz es callejero, sucio, sólo hay que imprimirle el sentimiento y entonces sale todo”.

Freddie Hubbard – Crónica de un Regreso Anunciado.

De una entrevista a la Revista española Cuadernos de Jazz

La duodécima edición del Puerto Rico Heineken Jazzfest, patrocinado por Heineken, se celebró del 30 de mayo al 2 de junio. Como en ediciones anteriores, el programa del certamen fue un verdadero "Quién es Quién" del mundo del jazz Latino, con la presencia de grandes figuras históricas y de músicos que están influyendo decisivamente en la formación del jazz contemporáneo.

Noche del jueves 30 de Mayo

The Miguel Zenón Quartet.

·        Miguel Zenón - Saxofón Alto, Luis Perdomo - Piano, Hans Glawischnig - Bajo y Adam Cruz - Batería.

La primera vez que el saxofonista Miguel Zenón se presentó en el PRHJF, lo hizo envestido cómo estudiante de los talleres del programa “Berklee on the Road”, para ese entonces se encontraba consolidando su talento en el Berkelee College of Music en Boston, donde terminó su bachillerato musical.  No obstante Miguel Zenón deseó completar una maestría en el Manhattan School of Music, en New York City.  Bajo estas especialidades Zenón ha podido cultivar una visión universal del Jazz, su interés ha sido por las expresiones folklóricas de las antillas menores.  En su sonido se percibe estas tonalidades en un brillante estilo vanguardista.

Miguel Zenón

Interpretó las piezas que aparecen en su primer compacto, Looking Forward pero también tocó variados temas que están incluidas en su nuevo trabajo discográfico.

1. Ya! (Miguel Zenón), 2. Pequeña Serenata Diurna (Silvio Rodríguez), 3. Campanitas de Cristal (Rafael Hernández), 4. Alma con Alma (Juanito Márquez), 5. El Cruce (Miguel Zenón)

Acoustic Alchemy.

·        Greg Carmichael - Guitarra de Nylon; Miles Gilderdale- Guitarra Eléctrica; Frank Felix - Bajo; Tony White - Teclados; Greg Grainger - Batería, Eddie M - Saxofón.

Acoustic Alchemy

Agrupación inglesa de Smooth Jazz, fundada para 1987 por los guitarristas británicos Nick Webb y Greg Carmichael, ellos tenían la esperanza que sus ideas se convirtieran en una fórmula capaz de reunir distintas influencias musicales que fueran del agrado del público.  Con el tiempo, su “alquimia” generó los resultados predichos y su producto se convirtió en “oro”- gracias al impulso de su piedra o ideas filosófales- atrayendo a un público entusiasta y a diversas emisoras radiales que le patrocinaron sus trabajos. El grupo ha recibido tres nominaciones del premio Grammy, el primero fue por su CD Caravan of Dreams, el segundo fue por su CD El Arcanum Album, y el tercero por su trabajo AArt. Sin embargo su miembro fundador Nick Webb murió al parecer de cáncer en el páncreas en 1998, el liderato lo asumió Carmichael, quien últimamente lo ha conducido a elementos del pop, el reggae, country rock y fusiones latinas.

Por muchos años, Acoustic Alchemy ha sido un grupo que ha combinado el sonido de dos guitarras acústicas una con fibras de nylon y la otra de alambres de acero, produciendo en conjunto un sonido que los ha hecho familiar en sus conciertos.  Para este evento el grupo tocó doce piezas musicales, en efecto:

1. Wish You Were near, 2. Catalina Kiss, 3. Jamaica Heart Beat, 4. Tuff puzzle,  5. Hey JJ, 6. Winds of charge, 7. Passion play, 8. Same road, Same reason, 9. Jubilation, 10. Panamá Cat, 11. The last Flamenco y 12. Flamenco loco.

El saxo Eddie M fue invitado a integrar al  grupo dado a que ellos le habían visto en un Club nocturno de Jazz en California.  A todos les gustó el talento y emotividad de Eddie, la propuesta fue integrarlo al PRHJF, en efecto, antes del festival, ellos lo esperaban en el aeropuerto Eddie venía en un vuelo desde California.  Fueron personas muy conscientes del poco tiempo que tenían para practicar con Eddie, sin embargo él acople fue fantástico y el factor sorpresa fue lo fundamental.  Les gusta compartir con su publico, son amables y humildes. 

En el pasado los dos fundadores Nick Webb y Greg Carmichael eran los que compartían la parte emotiva y de comunicación con él publico, cuando devino la muerte Nick Webb; Miles Gilderdale  pasó a ocupar la segunda posición al frente. Ellos están pensando regresar a PR, por el calor humano que les brindó el público.

Al final de la presentación el bajo acústico de Acoustic Alchemy Frank Felix recreó al mítico guitarrista Jimy Hendrix (+), -previamente ya había imitado la manera original como tocaba la guitarra eléctrica el padre del Rock and Roll Chuck Berry- cuando en un ataque de alegría en su última pieza tocó la guitarra acústica con sus dientes, arrancando una salva de aplausos

Noche del viernes 31 de Mayo

LA SEGUNDA noche del PRHJF 2002 llegó cargada de esplendorosos músicos, quienes colmaron de expectativas al público participante, que para ese día abarrotó el anfiteatro Tito Puente, mostrando de está manera que la masificación de este festival pasa por un buen momento, en efecto, elevando la moral de sus organizadores y músicos participantes.

PAPO VAZQUEZ

Papo Vázquez - Piratas y Trovadores

·        Willie Williams - Tenor y Saxofón Soprano, Arturo O’Farril – Piano, Roberto Cepeda - Percusión, Joe González – Percusión, John Benítez - Bajo, Víctor Jones - Batería y Papo Vázquez - Trombón y Director

Trombonista nacido en Philadelphia dentro de una comunidad de raíces puertorriqueñas, según comenta “cuando decidió que se ganaría la vida como músico profesional, su figura inspiracional y central fue el también trombonista, judío – americano Barry Rogers(+), quien por muchos años tocó con el maestro Eddie Palmieri.  Aunque sería un pecado olvidar la gran influencia que ejercieron José Rodríguez (+) y Willie Colón en su desarrollo como interprete.” Papo un compositor y arreglista, ha incursionado con éxito en múltiples corrientes y estilos musicales, sin embargo al presente se ha definido como un músico de corte Jazzista.  Vázquez formó parte de la historia musical de Rubén Blades, Batacumbele, Libre, Bobby Valentín y de la Descarga Boricua, entre muchas otras figuras y ritmos populares.  Por lo que puede observar, es una persona experimentada.  De igual modo, su carrera está nutrida de experiencias con artistas provenientes del campo del Jazz tales como: Wayne Shorter, Chico O’Farrill, Jerry González, Slide Hampton, Dizzy Gillespie, Wynton Marsalis, Tito Puente, Hilton Ruiz, Ray Charles y Freddie Cole.

JOE GONZALEZ Y ROBERTO CEPEDA

Papo escogió para su intervención 9 temas, de los cuales 8 son de su autoría y arreglos musicales:

1. El Reverendo, 2. Mundo Bizarred, 3. La Torres, 4. Snow Angels, 5. Plena Pa’ las Nenas, 6. En la Cueva de Tan, 7.  Stuffy Turkey (Telonios Monk), 8. Carnaval de San Juan, 9. Tema Pirata.

La temperatura de la noche subió cuando Papo entró con el tema El Reverendo, una fuerza percusiva se apoderó del entarimado, Roberto Cepeda con su rostro atado a una mueca de fuerza atacó a fondo con sonidos graves su barril; terminado el primer tema Vázquez tomó por sorpresa a la audiencia con una muestra de sus últimas composiciones, las cuales adornó en la fusión del jazz con ritmos afrocaribeños, especialmente la danza y la bomba puertorriqueñas de hecho Vázquez es poseedor de garantizar un sonido limpio, especialmente cuando toca sus baladas. 

Angel "Papo" Vázquez Junio 2002

La audiencia fue sorprendida por la interpretación de Las Torres, diseñada en una selección rica en disonancias e inspirada en el atentado terrorista al World Trade Center, dicha pieza se caracterizó por el suspenso y dramatismo de los solos de O'Farrill en su piano acústico, Willie Williams en el saxofón tenor y la expresiva intervención vocal de Roberto Cepeda, quien marcando el ritmo en el barril de bomba, invocó un coro grave y penoso:

(...) “Las torres están cayendo

y New York esta desierta,

la gente está corriendo”

Roberto Cepeda

Los bajos, las notas en abundancia graves y sumados a los metales jugaban una mezcla de  dolor. Papo con su trombón le puso sentimiento al tema, entonces su Saxofón Soprano Willie Williams le agregó más pasión al mensaje.  El tema fue fluyendo y diseminándose  ante un publico callado y apesadumbrado, en efecto, hay que recordar que la comunidad boricua fue una de las más golpeadas, cuando sucedió el atentado.

El contrapunto tejido por Papo y Willie en la danza jazz En la cueva de Tan y su dominio del swing en Stuffy Turkey, de Thelonious Monk, redondearon su magistral debut como líder en el Puerto Rico Heineken Jazzfest.

El maestro del Bajo Acústico Charlie Haden

Charlie Haden, Gonzalo Rubalcaba, David Sánchez, Ignacio Berroa y Federico Britos.

Un artista de alta conciencia política, se le considera un músico de energías imaginativas, intuitivas, y comunicativas. "Poeta" del bajo acústico, ha contribuido con su virtuosismo a crear muchos de los temas más completos del jazz.  Iniciador  vital y participativo de una revolución contemporánea del jazz, iniciada por su mentor Ornette Coleman, lideró  sus propios grupos, y a través de su música, se ha comunicado con sus fanáticos por medio de un sonido profundo, rico, resonante que refleja una sensibilidad profunda hacía la vida y a la música misma. 

Él cotizando critico de Jazz Joachim Berendt quien escribió The Jazz Book, estampo las siguientes ideas:  "Haden revolucionó el concepto armónico del bajo que se toca en jazz.  Él es el primer bajista que evitó  tocar siguiendo esquemas armónicos preestablecidos y rígidos, creó su propia armónia sólida y excluyó melodías independientes ". Tal parece que el destino estableció que las aportaciones de Charles Edward Haden en el campo musical debían estar ligadas a un instrumento de cuerdas, el bajo. Aunque sus primeras incursiones fueron como vocalista, el polio cambió su vida a la temprana de edad de 15 años cuando la enfermedad debilitó sus nervios faciales y afectó la garganta. Mas sus exploraciones con el gran instrumento comenzaron a escucharse desde mediados y finales de los cincuenta cuando su musa libertina decidió expandirse y retar las capacidades del bajo.

El bajista Charlie Haden nació en el estado de Iowa y al crecer su familia se trasladó al estado de Missouri, Haden supo rodearse, en la década de los 50 y los 60, de músicos prominentes que influyeron en su formación como bajista.  Así desde 1958 Charlie ha grabado centenares de álbumes con los principales innovadores del jazz incluyendo Don Cherry, Coleman, Pat Metheny, Jan Garbarek, Egberto Gismonti, Art Pepper, Paul Bley, Billy Higgins y Ernie Watts, John Coltrane, Joe Henderson (+), Keith Jarrett, Paul Bley, Paul Motian, Lee Konitz, Toots Thielemans, y muchos otros.

Charlie Haden
El Famoso conjunto Liberation Music Orchestra
Grabó en los momentos convulsivos  del año 1969, cuando todo se parecía a las rebeliones del mayo francés

Sus grupos Quartet West y the Liberation Music Orchestra, - un grupo dedicado a la denuncia social a través del Jazz - ganaron numerosos premios incluido el “Acoustic Jazz Band of the Year” que también los críticos de las revistas de Jazz Down Beat y Readers polls, lo seleccionaron como el  álbum  # 1 en el bajo acústico por 14 años consecutivos. Por sus composiciones  recibió un Guggenheim Fellowship además recibió varios premios del "Álbum of the Year" por las revistas Time magazine y People Magazine, también sus trabajos fueron elogiados por las de revistas Europeas y Japonesas.

En 1998, Él ganó el premio Grammy por  el mejor álbum instrumental en colaboración con Pat Metheney, Beyond the Missouri Sky.  

IGNACIO BERROA

Los sonidos que logra Charlie Haden siempre son de avanzada, discursos artísticos que revelan la mente de un verdadero genio minimalista. Ataca las cuerdas con seguridad al dar cátedra de intensidad expresiva, velocidad y agilidad. Los músicos que le acompañan conocen de su idioma musical y no vacilan en plantear con notas la profundidad lírica y las fronteras que logra rebasar Haden con su bajo.

Gonzalo Rubalcaba

Charlie Haden presentó los temas de su grabación Nocturne con otros gigantes como Gonzalo Rubalcaba, David Sánchez, Ignacio Berroa y Federico Britos Ruiz. Fue una exquisita entrega de los boleros jazz Latinoamericanos contenidos en el álbum, Nocturne, el cual fue premiado como el “Mejor disco de Jazz Latino” durante las más recientes ediciones de los premios grammy 2002.  Coincidencialmente los grabó con Rubalcaba, el saxofonista boricua David Sánchez, el baterista Ignacio Berroa y el violinista Federico Britos Ruiz, con quienes se encontraba feliz esa misma noche, e incluso dicha plantilla partió al festival de Montreal en Canadá, una vez finalizó su presentación.

De Rubalcaba podemos comentar que fue un niño prodigio que creció en una casa habanera llena de música: su padre, Guillermo Rubalcaba González es un destacado pianista y director de agrupaciones de música popular, además de ser uno de los primeros maestros de Gonzalo antes de que éste ingresara en el Conservatorio Amadeo Roldán. Su pasión por el jazz, comentó el músico, comenzó cuando desempolvó la colección de vinilos de su padre. Eran cosas de Duke Ellington, Count Basie, Glenn Miller, etc.  Aunque recuerdo que tenía más discos de ejecutantes de instrumentos de vientos que de pianistas".

En 1985, Gonzalo fue "descubierto" por Dizzy Gillespie durante una visita del trompetista al Festival de Jazz de La Habana. Un año más tarde, lo volvía a "descubrir" el bajista Charlie Haden. Lo demás es historia de traslados, documentos de inmigración, un concierto con protestas frente a un teatro de Miami y espléndidos discos y colaboraciones con maestros del jazz norteamericano.(2) Mi padre es la figura más importante en mi educación; con él aprendí las primeras lecciones de gramática pianística y luego a ensanchar esa gramática. “Mi padre me enseñó a conocer sobre todo el instrumento, a conocerlo íntimamente. Me dio sobre todo la disciplina, las herramientas para concentrarme y mantener el enfoque. Me enseñó además a estimular la curiosidad y a no perderla. Yo escucho a pianistas cubanos de los años 40, 50 y 60, y eso es precisamente lo que notas: una música elegante, refinada, orientada por una estética personal. Incluso, hasta cuando tocaban música bailable; armónica, melódicamente hablando, había una estética de refinamiento y elegancia. Es una de las razones por las que he insistido en regresar a esa música y exponerla todo lo posible”

A una entrevista publicada por el portal www.anapapaya.com Rubalcaba expresó: “Lo que hicimos Charlie Haden y yo fue un disco para nuestros tiempos. O sea, no teníamos una idea preconcebida pero tampoco queríamos tocar cosas que ya estaban hechas. Tampoco nos consideramos expertos en bolero. Por otra parte, yo no entiendo la actitud de ciertos músicos de repetir el pasado, de calcarlo tal cual. Creo que Nocturne en ese sentido es un buen disco, por las diferentes sensibilidades que se juntaron en el estudio de grabación. Fíjate que tiene músicos tan opuestos entre sí [Federico Brito, Ignacio Berroa, Joe Lovano, Pat Metheny, David Sánchez], pero todos estaban sintonizados con abordar el repertorio con ideas nuevas. Desde mi punto de vista, yo creo que es absurdo pretender tocar como los maestros. Los maestros nos pasaron un legado y nosotros tenemos añadirle nuestra propia voz”.

Los problemas con el sonido no opacaron la extraordinaria gestión de su quinteto acústico que a veces se redujo a las combinaciones de cuarteto y trío.  Cinco virtuosos y un repertorio fino que, aunque falto aquello de proveer al menos, una canción para la casa de Rafael Hernández, Puchi Balseiro o Pedro Flores, en síntesis las intervenciones consistieron de clásicos del bolero mexicano y cubano. Cabe destacar que Berroa aportó un acompañamiento perfecto con sus redobles y efectos con la escobilla mientras Rubalcaba, David y Federico improvisaron con lirismo, swing y sentimiento en torno a las melodías de No te empeñes más de Marta Valdés y Contigo en la distancia de César Portillo de la Luz.

La propuesta que presentaron estos significativos músicos fue: 1. En la orilla del mundo (Martín Rojas), 2. Noche de Ronda (María Teresa Lara), 3. Night Fall (Charlie Haden), 4. Claro de Luna (Charlie Haden), 5. No te Empeñes (Martha Valdés), 6. Yo sin ti (Arturo Castro), 7. Transparencia (Gonzalo Rubalcaba), 8. El Ciego (Armando Manzanero) y 9. Contigo en la distancia (Cesar Portillo de la Luz)

Giovanni y su hijo, Ian Manuel.

Giovanni Hidalgo

·      Giovanni Hidalgo – Director & Percusión,  Abel Pabón – Piano, Eddie "Guagua" Rivera – Bajo, Carlos Rodríguez – Percusión, Ricky Martínez – Teclados & Acordeón, David Rodríguez – Trompeta, Antonio “Toñito” Vázquez - Trombón

Considerado hoy como uno de los mejores congueros del mundo, pertenece a un selecto grupo de percusionistas que, a través del jazz, le otorga a las tumbadoras un papel protagónico más allá de la función de acompañante.  Al igual que otros percusionistas como Patato Valdés, Tata Güines, Miguel Angá, Ray Barretto, Mongo Santamaría y Richie Flores, Hidalgo logra sacarle a su instrumento sonoridades y pasajes percutivos que en el pasado no cabían en la imaginación de otros maestros fundadores del arte de tocar congas

Giovanni Hidalgo es una de las figuras favoritas de los asiduos entusiastas  que cada año se dan cita para disfrutar el PRHJF, Hidalgo siempre logra asombrar al público por sus extraordinarias ejecutorías llenas de ideas y de asombrosas secuencias rítmicas.

Para su presentación Giovanni tocó:  1. Manteca (Chano Pozo), 2. Cantaloupe (Herbie Hancock), 3. Conga Solo (Giovanni Hidalgo), 5. Picadillo (Tito Puente), y 6 No me apagues la Candela (Ricky Martínez)

El bajista del Sexteto de Giovanni Hidalgo, Eddie "Guagua" Rivera

Giovanni Hidalgo, sin embargo, fue merecedor de la única ovación de pie que se registró el viernes. Con cinco congas, Mañenguito demostró una vez más que es el rumbero más veloz del jazz latino. El sexteto de Giovanni, como colectividad, aún no está muy aceitado, pero la intención de evolucionar en el jazz latino con un concepto que, más allá de la descarga, incorpora voces e instrumentos como el acordeón y la trompeta con sordina, como demostró en Tus manos del pianista Ricky Martínez, es muy refrescante. (1)

Una foto histórica del padre de Giovanni Hidalgo, José 'Mañengue' Hidalgo tocando con la Orquesta de Richie Ray para  mediados de 1974.  Foto de Martín Cohen^©

Sábado 1 de Junio

Para el sábado en la noche al anfiteatro Tito Puente se encontraba lleno a capacidad, la necesidad de buen Jazz latino impulsó a que varios aficionados y aficionadas  tomaran la ruta alterna de la música antes que la del cine o la playa, y para las 8.00 PM habían colmado el anfiteatro”.

Dennis Mario & Kobana Negra

Dennis Mario & Kobana Negra

·        Dennis Mario – Director Musical, Congas y Percusión menor, Tito Valentín – Director Musical y Piano, Antonio Renovales – Teclados, Irvin Cancel – Bajo, Pedro González – Timbales, Ricardo Dávila – Violín, Edgar Abraham – Saxofón.

 Dennis Mario, quien es también el creador de los afiches del festival desde 1998, es un reconocido artista gráfico en el escenario internacional.  Convencido de que “hay música en la pintura” y viceversa, el percusionista encuentra en el grupo Kobana Negra el medio complementario que le permite expresar toda su sensibilidad, creatividad y orgullo profesional (4)

El grupo Kobana Negra lleva el nombre de un árbol maderero endémico de Puerto Rico que se caracteriza por su fortaleza y resistencia ante las plagas y otros embates de la naturaleza.

Las composiciones que Kobana trajo para su publico fueron: 1. Musa Vida, 2. La Selva Ríe, 3. Babalú Ayé, 4. Reír Llorando y 5.  Agüita de Coco

Dennis Mario y su grupo Kobana Negra, dio inicio con las interpretaciones originales de Kobana Negra, cuyos integrantes se presentaron con un antifaz negro. El pintor, intérprete y compositor presentó al público tres temas afroantillanos, en los que se destacaron el cantar de los tambores, el saxofón (manejado a su antojo por Edgar Abraham) y el violín. Cuando se habla de Kobana Negra no espere guarachitas, bombas ni guaguancó porque sus fusiones llevan sangre isleña combinada con un jazz libertino y audaz. Mario se dirigió a la concurrencia en varias ocasiones y estableció, con genuina espontaneidad, una comunicación informal que en momentos se tornó jocosa. Antes de abandonar la tarima interpretó un tema inspirado en la muerte que contó con las agudas vocalizaciones de Jerry Medina, quien se encargó de retar a los instrumentos a pura voz. (1)

Giovanni Tommasso

Giovanni Tommasso

·      Giovanni Tommaso – Bajo, Danilo Rea – Piano, Massino Manzi – Batería, Daniele Scannapieco –Saxofón Tenor y Luca Begonia – Trombón.

Tommasso nació en el 1941 en Lucca, Italia.  Comenzó su carrera en el 1957 con un grupo llamado “Quarteto di Lucca”, influido en sonido y estilo por el afamado Modern Jazz Quartet.  En 1967, se mudó a Roma donde tuvo la oportunidad de trabajar e intercambiar ideas con músicos tales como: Sonny Rollins, Chet Baker, johny Griffin y Barney Kessel entre otros.  Más adelante en su carrera, trabajó con grandes figuras del Jazz tales como: Max Roach, Joe Henderson (+), Gerry Mulligan, Steve Lacy, Gato Barbieri y Kenny Clarke entre otros.  En 1971, formó un grupo de jazz-rock con el cual grabó varios discos continentales, hasta el 1977.  Durante esos años, comenzó a destacarse como compositor de música cinematográfica y de series de televisión.

Su repertorio fue: 1. Opposite Attract, 2. Oh Benigni!, 3. Amarcord (Recordar a Fellini), 4. Fast Fox (donde desarrollo un solo de bajo acústico), 5. Clan de Sicilians, 6. Cinema Moderno, 7. Il :Postino y 8. Blue Bad Note.

El quinteto del contrabajista Giovanni Tommaso tocó en el Puerto Rico Heineken Jazzfest gracias a un intercambio cultural con su natal Italia.

Desde 1985, Tommaso es el director de los talleres de jazz del Festival de Umbría y su participación en el evento, fue a una invitación del productor Luis Álvarez quien lo invitó desde Los Ángeles, lugar donde se encuéntrala de gira, NO fue la primera visita que Tommaso -un respetable compositor de música cinematográfica y de temas televisivos-, cursa a la Isla.  Ya en 1959 visitó San Juan como parte de la tripulación del crucero Homerick.

La noche del sábado 1 de junio, Tommaso interpretó el material de su reciente disco compacto Secondo Tempo acompañado por el trombonista Luca Begonia, el pianista Antonio Farao, el saxofonista Daniele Scannapieco y el baterista Maximo Manci. Tocaron selecciones del álbum La Dolve Vita y material original que, dentro de lo contemporáneo, se nutre del be-bop".  Tommaso es reconocido por los críticos como uno de los mejores contrabajistas de Europa.

Giovanni Tommasso se apoderó de la tarima con su excelentísimo y experimentado quinteto de músicos. El laborioso contrabajista unió fuerzas con el piano, trombón, saxofón y batería para darnos una cátedra de un jazz que no reconoce limitaciones, superficialidad y mucho menos el aspecto comercial de la música. El también director del Festival Anual de Jazz de Umbria se excusó al no poderse expresarse en castellano, pero de inmediato señaló que esperaba que su música hablara más fuerte que las palabras.

El carácter vanguardista, elegante, fluido y conversador del contrabajo de Tommasso tuvo geniales momentos de soliloquios que develaron la grandeza interna y el espíritu creativo de este genio. El insigne compositor no vaciló en tomar su arco y dejarnos boquiabiertos por su absoluto dominio del instrumento. De pie, en una noche calurosa a la luz de la luna, el público le expresó al quinteto su admiración, agradecimiento.

Al Jarreau - Debbie Davis

Al Jarreau

Considerado por la crítica especializada como “La Voz de la versatilidad” y también como  “uno de los grandes recursos naturales del planeta”, ganador de cinco premios Grammy , tiene un timbre de voz peculiar y una facilidad asombrosa para ajustarse a una gama amplia de tonos, ritmos y estilos; Al Jarreau es uno de los mejores vocalista en el escenario internacional –recientemente en éste mes de agosto, pudimos verle, en el canal MTV quien lo presentó en un show, donde él,  cantaba, representando al muñeco de acero de la celebre película de Shirley Temple “ El Mago de OZ”.

Al Jarreau llegó al mundo él en el estado de Wisconsin, con su voz privilegiada comenzó  cantando en la iglesia pero esa conexión natural con la naturaleza del ser humano lo condujo enrolarse en la respetada Universidad  de Ripon en Wisconsin, Al Jarreau cantaba por diversión, a raíz de estas inquietudes organizó un grupo local llamado The Indigos,  con los cuales animaba en los fines de semanas, días de fiesta, y  fiestas de graduación. Obtuvo un grado de Ciencias en Sicología. Después se movió a la Universidad de Iowa para obtener su Maestría en Rehabilitación Vocacional.  Jarreau se traslado a San Francisco para colocar su oficina de asesoramiento en rehabilitación.

Con The Indigos
Ann Hassler, Peter Bock, Duffy Farrand,

Su primer grupo de andanzas universitarias.

En Los Ángeles decidió presentarse como cantante en pequeños clubes nocturnos de la costa oeste. "Entiendo que mi misión en la vida es sanar el espíritu humano. No en la forma que un sacerdote, sanador natural o siquiatra lo haría sino a través de las palabras, de la música… Siempre he interpretado temas que van más allá de la superficialidad de 'vamos a bailar (let's dance') porque uno tiene mirar al interior para expresar, comunicar lo que uno realmente siente. Al cantar sólo pretendo provocar sonrisas en los rostros del público, que al concluir el concierto se sientan mucho mejor, esperanzados y que de alguna manera las letras de las canciones le hayan tocado el corazón'', le expresó Al Jarreau al periodista Jaime Torres Torres del periódico de Puerto Rico El Nuevo Día. (1)

En  momentos de máximo arrojó en su noche  de actuación

·        La  formación que presentó fue: Freddie Ravel -Teclados y Director Musical.  (Nacido en Los Angeles pero sus raíces originarias son colombianas, sus padres al parecer emigraron desde Bogotá); Ross Bolton – Guitarra; Chris Walker –Bajo; Joe Morell – Batería (Nacido en la Argentina); Arno Lucas – Percusión, Debbie Davis – Coro (al parecer originaría de Francia).

Cada músico se aseguró de "certificar" en tarima el alto grado de profesionalismo y el gozo pleno que sienten al interpretar e improvisar los temas que han catapultado a la fama al cantante.  Al Jarreau juega con su voz, ella una especie de mezcla de los famosos: Joe Coker y Billy Paul (Me And Mrs. Jones), se burla de los registros agudos y bajos a su antojo. Con el corazón en la garganta interpreta canciones románticas, cuando tiene que ser "funky" nadie lo detiene y al momento de jazzear se embarca en difíciles duelos vocales con cualquier instrumento.  La producción de Sonidos es elocuente, a veces caía en una especie de trance y en un soliloquio gravitaba en las notas de sus canciones.  Su rostro un conglomerado de muecas se transformaba a medida que sus músicos  ambientaban su espectáculo o mejor alimentaban su metamorfosis.

 Un espectáculo completo mantuvo al público enardecido durante más de hora y media de su extenso repertorio interpretó Mornin', Take Five, Since I Fell For You, So Good, Tomorrow Today, Autumn Leaves, My Favorite Things, entre otras favoritas del público. 

Con el  cantante Ingles de Rock duro Joe Cocker, -un icono- discutiendo nuevas  ideas.

Foto de © Fiona Frawley 2002

En la sexta canción bajó de la tarima, estrechó manos y se confundió con el público mientras cantaba. Otro momento intenso fue la interpretación de Since I Fell for You, a dúo con Debbie Davis, vocalista que señorea los altos registros. El espectáculo acabó a las 12:25 a.m. con una rabiosa ovación, pero el cantante se vio obligado a regresar ante la insistencia de los presentes. Presentó un medley, dio las gracias, se despidió y a las 12:45 regresó ante el clamor de un público que se negaba a marcharse de las gradas. Entonces interpretó Spain de Chick Corea, algo mágico pasó, como un rayo o saeta Giovanni Hidalgo tomó  las congas de sorpresa. Al Jarreau, al sentir el cambio hacía ritmos latinos, no se detuvo y  se enfrentó  a la gran velocidad de Mañenguito que con sus congas endiablo el espectáculo, Freddie en el piano hizo un ademán también mágico y el resto de los músicos se unieron a esta incontenible interpretación, huracanada y cataclísmica. Un cierre de verdad brillante, un final en que la sorpresa y la degustación por la buena música domino el ambiente, de verdad un cierre de oro.

Domingo 2 de junio

Berklee in Puerto Rico.  Students and Professors Band

El programa inició con la participación de los profesores del programa de Berklee College of Music en Puerto Rico, Larry Monroe en el saxofón alto, Greg Badolato en el saxofón tenor, Ron Savage en la batería, Scott DeOgburn en la trompeta, Jeff Galindo en el trombón, Jim Kelly en la guitarra, Winston Maccow en el bajo y Tony Germain en el piano. Los estudiantes del programa se unieron luego para formar un "big band" que dejó muy buen sabor entre el público.

Michel Camilo Trio

Michel Camilo -piano, Anthony Jackson - bajo de 6 cuerdas, Horacio "El Negro" Hernández, batería.

“Yo salí de República Dominicana tocando Bebop.  Así llegué a Nueva York, tratando de integrarme al jazz tradicional.  Sin embargo allí me dio una melancolía inmensa. Encontré en tocar latino la posibilidad de llenar esos espacios, de mantenerme en contacto. Por eso hago jazz latino, en mis primeros años en Nueva York, toqué en un quinteto donde el saxofonista era Michael Brecker. Entre set y set, él se iba a una esquina del camerino y tocaba todo lo que él creía que le había salido mal, para perfeccionarlo. Así es esta música, siempre se puede hacer mejor y se puede uno pasar la vida entera buscando esa perfección.

“Una de mis principales influencias es el maestro Ernesto Lecuona. De él aprendí las bases, ya que él fue uno de los que pudo traducir lo que escuchaba, rítmicamente hablando, a la mano izquierda. Así como en Estados Unidos pudieron traducir la africanía al jazz, Lecuona y algunos otros pudieron traducir la africanía a la mano izquierda en el piano”.  También ha sido fundamental mi formación clásica -desde los diez años ingresé al conservatorio y a partir de los 16 a la Sinfónica-. Después estudié en la escuela Julliard Conservatory of Music en Nueva York -el mismo donde estudió Tito Puente cuando tenía 13 años. Y por supuesto, el jazz, que llegó a mí por accidente”.

“A los 14 años y medio encendí el radio y sonaba ahí un tema de jazz. Qué es eso, me pregunté, y a partir de ahí, ha pasado lo que ha pasado. Ahora tengo el reto del cine. Estoy experimentando entrar en esa franja competitiva”. (véase www.anapapaya.com)

Las piezas que tocó Camilo fueron: 1. From Within (Camilo), La Comparsa (Lecuona), Mr. CI (Domínguez), Afterthought (Camilo), Piece of Cake (Camilo), Anthony’s for Tito (camilo), Descarga for Tito (Camillo), This way Out (Camillo) y Mambo In (Bauzá)

Como era de esperarse, Camilo mostró su magistral dominio en el piano con movimientos rápidos y acompasados que llenaron de emoción a la concurrencia. Igual de espléndidos lucieron cada una de las descargas sonoras que impartían sus colegas.

Tras la interpretación de un tributo al maestro Tito Puente, el estelar saxofonista David Sánchez subió a escena para obsequiar una mano a mano rítmica, que logró su cenit con la intervención de Giovanni "Mañeguito" Hidalgo en las congas.

En una corta intervención hablada con él publico, expreso: “TITO PUENTE me abrió las puertas del jazz.  A fines de los 70 me cursó una invitación al festival de Montreal y, desde entonces, toco de manera perpetua para  dicho festival”.

En agradecimiento al Rey, Camilo grabó la composición Descarga For Tito, obra que estrenó en el Puerto Rico Heineken Jazzfest 2002.

"A Tito le tuve un cariño inmenso porque, aparte de ser un gran músico, fue una gran persona. Fue un pilar y una inspiración que le da peso a nuestra historia. A Tito le debo mi primer concierto internacional", dijo a la prensa.

Descarga For Tito apareció en el disco Triángulo editado por Telarc, un sello de gran prestigio y tradición jazzística. La compañía que le produjo álbumes a leyendas como Oscar Peterson y Gerry Mulligan, se caracteriza por utilizar en sus grabaciones lo último en la tecnología del sonido.

Es un paso importante en mi carrera. Quizás no tengo tantos discos como algunos de mis colegas, pero trato de tomar tiempo en hacerlos porque soy perfeccionista".

Camilo lo tituló Triángulo porque ha retomado una de sus combinaciones favoritas: el trío de jazz. Lo integran el bajista Anthony Jackson y el baterista Horacio "Negro" Hernández.

Con su trío, Camilo explora un repertorio de composiciones originales y estándares del jazz que se pasea entre el jazz latino, el blues y el 'straight ahead'. La entrega consiste de Piece of Cake, La comparsa, Mr. C.I., Afterthought, Anthony's Blues, Con alma, Las dos Lorettas, Just Like You, Descarga For Tito y Dotcom-bustion.

"Lo que me encanta de este disco es que pudimos capturar la magia de estos años. En 1996 salió mi último disco de jazz en trío y tenía ganas de volver a mi centro. Y con estos monstruos que me ha dado Dios, lo he hecho". El clásico La comparsa de Ernesto Lecuona, es una de las piezas que más le complace. Según recordó, escribió su arreglo para el concierto que a fines de los 80 celebró en Bellas Artes con Danny Rivera. "Lecuona es una gran influencia. A él le debo mi trabajo con la mano izquierda. He leído que fue un gran intérprete de Chopin.

Fue uno de los pilares del piano caribeño al traducir al instrumento los tambores y los elementos africanos de nuestra música". La fecha del lanzamiento mundial de Triángulo, será el martes 26 del corriente. Michel Camilo y su Trío lo presentarán en su gira por Europa, Estados Unidos, Centroamérica y Puerto Rico.

"Será un año de mucha actividad con el trío, pero estamos felices porque es la oportunidad de presentar al público el nuevo trabajo y las nuevas ideas. El disco sale el 26 y será el primero de jazz latino editado en el formato super audio (SACD) para seis canales". Muy alegre y “loco de contento” lo expreso a la prensa.

Siguiendo la tónica que caracterizó esta edición, David Sánchez y Giovanni Hidalgo subieron al escenario para acompañar al maestro Camilo. Luego de terminada su participación, y a los reclamos del público, el pianista subió para ejecutar un soliloquio con su instrumento. En ese momento se apareció Sánchez, enardeciendo a la concurrencia. Luego entró Hidalgo y juntos crearon uno de los momentos más memorables de esta edición. Ya en la tarima, aprovecharon para acompañar a "Patato" en su homenaje, momento de grandes alegrías y emociones matizadas por la participación de Danny Rivera.

Patato y su AfroJazzia: en el orden acostumbrado, los maestros Enrique Fernández (saxofones, flauta, director musical), Steve Berríos (batería), Patato, Nicky Marrero (timbales, percusión), Cucho Martínez (bajo), Eddie Martínez (piano) y John Walsh (trompeta y flugelhorn).

Carlos Patato Valdés y El AfroJazzia

“Patato” Valdés es un signo de estos tiempos, la edad sólo le ha dado un aspecto de patriarca cansado; no obstante, a su edad avanzada sigue creando historia y escribiendo su leyenda.  Antes de ser presentado en público los instrumentos fueron afinados de manera metódica, se entiende que es un músico exigente. Un dato curioso, como apuntó nuestro colega Tommy Muriel, músico profesional y una enciclopedia viviente de la salsa y latin jazz, con quien cubrimos la última noche, fue el hecho de que las congas que utilizó Patato esa noche fueron las "Galaxy" de LP®, modelo diseñado por Giovanni Hidalgo. Esto cuando Patato de por sí tiene su propia línea de tumbadoras LP® (las famosas "Patato Model"), las cuales han estado fabricándose por más de 4 décadas.

 Carlos "Patato" Valdés

Desde el primer momento en que se anunció el nombre de Patato, la audiencia aplaudió enardecidamente, el artista salió vestido de un blanco impecable, tal como si fuera asistir a una ceremonia santera, arrastrando su pequeña y diminuta figura,  se dirigió a las cogas y con sus llaves especiales fue afinando los pernos y una a una las congas le contestaban como si fueran domadas por su jefe. En efecto,  Tommy lo predijo “ hasta que no afine a su antojo la última conga no arranca su espectáculo”.

En medio de ardid, subió a las congas y paralizó su rostro, lo contrajo y como un “Zombi” mostró una risa o mueca graciosa, él publicó rió y aplaudió, luego bailó de manera tímida el baile “del Pingüino”.  No obstante se notó que Patato estaba enfermó con catarro, por lo que no lució claro en sus notas melódicas, a veces entusiasmado y algunos otros minutos perdida su concentración reía momentáneamente, notamos que la banda le hacía falta un poco de practica y calentamiento.  Esto se notó de manera más explícita en el tercer tema (el standard "Cute"), donde en determinado momento la banda se cruzó (un inesperado pero harto efectivo solo sin acompañamiento del bajista Cucho Martínez salvó el tema). Inclusive, notamos durante nuestra visita backstage que Patato no se encontraba bien de salud. Padecía de un fuerte catarro que inclusive lo obligó a abandonar la tarima brevemente durante el quinto tema ("Guajira" de Chick Corea, incluido en su más reciente disco "Unico y Diferente" para el sello alemán Connector), haciéndole señas a Nicky Marrero para que tocara las congas durante su ausencia. Cabe señalar que Nicky, de hecho, tampoco tuvo la mejor de las noches. Durante los primeros temas lo notamos marcadamente errático, aunque su participación mejoró a medida que corrió la actuación del grupo. Pero no cabe duda que Nicky ha tenido noches harto mejores...

Los temas fueron: 1. Son de Patato, 2. Junquillal, 3. Cute, 4. Como un Bolero, 5. Guajira, 6. Mario Bauza Blues y 7. Comelón. 

El AfroJazzia en Acción

Acompañado de Marrero en el timbal y bongó, Eddie Martínez al piano, Steve Berríos en la batería; John Walsh en la trompeta; Cruz "Cucho" Martínez al bajo y Enrique Fernández en la flauta y dirección musical, Patato complació a los presentes con su inigualable sonido. 

Carlos "Patato" Valdés  y  Nicky Marrero, 1972. ©Foto de Martin Cohen

A media intervención de Patato, Giovanni Hidalgo y el cantante Danny Rivera se dirigieron a los presentes para reconocer el valor cultural que encierra la trayectoria del músico cubano Patato, emocionado, aceptó las loas y agradeció la dedicatoria; mirando el cielo pareció exclamar una plegaría en lenguas a la principal potencia Chango, Dios del trueno y de los tambores, en la religión Yoruba.  Su cabeza estaba adornada de un gorro tejido por su hija,-como si indicará que estaba protegido por su santo-el cual manifestaba los colores ceremonicos rojo y el blanco además con una hilera de caracoles, los cuales emiten el eco de la voz de la  gran potencia..Elecua Chango –como decía Machito, ...Chango a vení, Chango a vení. De inmediato, regresó a su estrado y sin pereza alguna regaló su mejor arte, su talento y sus virtudes a cada palmo sobre sus congas.

Richie Ray Ensemble

Algunas personas estaban cuestionando la ausencia de Richie Ray en el Puerto Rico Heineken JazzFest 2002. Nuestro compañero de labores Eric González pudo hablar brevemente vía telefónica Los Ángeles – Miami con Ricardo y este le expresó, que la razón por la cual no se presento, fue debido a no estar preparado para el evento.  A renglón seguido argumento variadas razones.  Una es que su orquesta estaba muy ocupada en los días y meses previos al evento.  Hay que recordar que, desde que hicieron el disco en vivo, ellos han tenido mucha demanda.

Otra razón es -según él- le pidieron se presentara con un trío, no obstante el formato que él quería usar era piano, conga, timbal, bajo, guitarra, trompeta y saxofón. Ricardo estaba al tanto que, en este festival iban a estar orientado a formatos de trío y por tanto no iba a estar lo suficientemente preparado para cumplir como a él le gusta.  Él está educado en música clásica, la cual esta escrita, pero se puede cambiar la interpretación y formato.

La participación en el festival de jazz requería mucho planeamiento, el cual Ricardo Ray no tuvo el suficiente tiempo para refinar su propuesta, debido a su renacida popularidad y a su agitada agenda. Pero  expresó que va a participar el otro año, si Dios lo permite. Eso es algo que él realmente quiere hacer y todos sus fanáticos queremos oír su lado oculto del Jazz Latino.  Coincidimos con las apreciaciones del columnista de la Revista Californiana Latin Beat, Elmer González “Richie Ray no tiene nada que probar para ser considerado como uno de los mejores pianistas salseros.  Sin embargo, en un evento de Jazz como el Puerto Rico Heineken JazzFest 2002, Ricardo se hubiera tomado el riesgo de quedar bien rezagado detrás de los trabajos y propuestas que presentaron en el festival los pianistas: Rubalcaba, Camilo, el venezolano Luis Perdomo, el colombiano Eddie Martínez y el italiano Danilo Rea, quien fue para mi consideración la gran revelación del Puerto Rico Heineken JazzFest 2002. ”

Para terminar de una manera fotográfica:

Tanto Israel Sánchez-Coll como Tommy Muriel agradecen la manera tan especial, el buen gusto y la atención que tuvo con nuestro portal Oasis Salsero la Relacionista Pública de Grandes Eventos Lidda García Acosta, quien nos facilitó de una forma desinteresada los pases para la cobertura del Puerto Rico Heineken Jazz Fest 2002.

  Galería de fotos del Puerto Rico Heineken JazzFest 2002

Notas:

1.       Jaime Torres Torres El Nuevo Día . www.endi.com

2.    www.anapapaya.com.  Aquí puede encontrar las entrevistas a los pianistas Rubalcaba y M. Camilo.

3.   Revista del Puerto Rico Heineken Jazz Fest. 2002, distribuída el mismo día del espectáculo.