Reseñas de CD-Diciembre 2010 - Enero 2011. Herencia Latina

Para todo conocedor de la música que llamamos salsa, el nombre Edwin Bonilla no debe ser nuevo. La verdad es que este destacado percusionista boricua ha estado deleitándonos por mucho tiempo, y con “Homenaje a los Rumberos”, su cuarta producción como líder de orquesta, Bonilla ha generado una joya, una de las mejores producciones del 2010, indiscutiblemente la mejor de su carrera.

Como su nombre lo indica, “Homenaje a los Rumberos” es un tributo a algunos músicos y escritores que influenciaron la carrera de Edwin Bonilla. Las nueve muy bien escogidas piezas así lo demuestran, arrancando con la suculenta guaracha “La Melodía”, escrita por el propio Bonilla y Juan Cristóbal Losada. Mucho disfruté también con “Yambu Matancero”, un sabroso son montuno, donde se destaca Bonilla en el bongó, y la trompeta de Teddy Mullet, al igual que “Canto Abacua”, una nueva versión del clásico de Ray Barretto y Rubén Blades, provista de poderosas moñas. Otras predilectas son la descarga “Timbalero Suena”, donde Bonilla vuelve a lucirse, y “Ella está en otra Rumba”, de la pluma de Tite Curet, y popularizada años atrás por Justo Betancourt. Cabe anotar que el gran percusionista Giovanni Hidalgo – invitado de honor -- brilla en el tema “Homenaje a Los Rumberos”.

Con “Homenaje a Los Rumberos”, Edwin Bonilla nos demuestra que ha estado estudiando las nuevas producciones que han estado saliendo al mercado, y supo descifrar qué es lo que realmente hemos estado pidiendo los amantes de la salsa brava. No nos decepcionaste, mi hermano. Bien hecho, maestro, bien hecho. (EEG)

La Lupe vive, sí, señor. Y ahora más que nunca, debido a que Código ha producido la colección más completa del legado de esta recordada artista. Varias han sido las recopilaciones del trabajo de Guadalupe Victoria Yoli Raymond, pero “La Lupe – Puro Teatro” definitivamente es la mejor, la necesaria en cualquier colección de todo amante de la buena música.

“Puro Teatro” incluye dos compactos que recogen la carrera de la Yiyiyi, desde sus inicios en su natal Cuba. Esto se debe, en gran parte, a que además de ser dueños de Fania y su catálogo, Código también adquirió Discuba, sello donde La Lupe grabara sus primeros LPs. De esa manera, pues, esta formidable recopilación consta de un total de 55 temas. El primer compacto – mi favorito – incluye 29 números, muchos de los cuales La Lupe grabó con Tito Puente, y otros dedicados a Venezuela, siendo mis predilectos “Alma Llanera”, “Qué te pedí”, “Bomba Na’Má’”, “Elube Chango”, “Lola”, “El Pajarillo”, “Los Carreteros”, “Jugando, Mamá, jugando”, “Oriente”, “Jala-jala panameño medley”, “Golpe Tocuyano”, “El Carbonero”, “El Cascabel”, “Te voy a Contar mi vida”, “La Tirana” y “Este Ritmo Sabrosón”. Mis predilectos del segundo compacto son “Me Siento Guajira”, “Puro Teatro”, “Toitica Tuya”, “Ingrato Corazón”. “Cubana Caliente”, “Juan Manuel”, “La Mala de la Película” y “Amor Verdadero”. Pero lo que de verdad hace esta colección tan especial, es la inclusión de las dos versiones que La Yiyiyi realizó del tema “Fever”: “Fiebre”, grabada en Cuba, y “Fever”, en Nueva York. Además, se incluye el número “Con el Diablo en el Cuerpo”.

La Lupe siempre será recordada por todos los que vivimos en su tiempo. Era un talento especial imposible de olvidar. De hecho, “Puro Teatro” cuenta con un librito sobre su vida y discografía. Esta fabulosa colección ciertamente le hace justicia a nuestra querida Yiyiyi. (EEG)

"Pibo Márquez & Descarga Criolla 2 – Te Pones a Bailar (Producción Independiente)

Joel “Pibo” Márquez es otro músico venezolano al que hay que ponerle atención. El sensacional percusionista es original y sabe lo que está haciendo. Así lo demostró con el primer volumen de su Descarga Criolla. Ahora, con el sensacional Descarga Criolla 2 "Te Pones a Bailar"”, Pibo retorna mejor que nunca, con una producción que claramente supera la anterior – otra gema del 2010.

Esta magnífica obra incluye diez jugosos números, comenzando con “Pa’ Puerto Rico”, donde Márquez le rinde un tributo a la Isla de Encanto. Fabulosos también están “La Placita”, nuevas versiones de “Banbanquere” y “Corta el Bonche”, así como también “Te Pones a Bailar”, tema que titula el compacto y vibrantemente cierra el mismo. El CD también consta de otra espléndida versión del clásico “Isla del Encanto”, y la participación de los percusionistas Luisito Quintero y Paoli Mejías.

"Te Pones a Bailar" es una grabación bien hecha, que debe satisfacer todos lo gustos, especialmente el de los amantes de la salsa dura, de la mata. Cuando uno termina de escucharlo, el alma, el cuerpo, la vida misma, pide más. Estoy seguro que Pibo, ahora que tiene la fórmula, regresará con otra obra maestra. (EEG)

Septeto Santiaguero. Oye mi Son Santiaguero. Estudios Siboney de Santiago de Cuba

Cuando se trata de son cubano, usted debe buscar y explorar en Santiago de Cuba los ritmos más genuinos de la música tradicional cubana (el son, la guaracha, el danzón, changüí, el bolero-son, entre otros) tienen en el este de la isla la mejor muestra y/o su mejor vitrina.

Y si usted está buscando el modelo más equilibrado, que combina experiencia y juventud, el respeto por la tradición, pero la inversión en la innovación y la calidad de sonido con composiciones propias, la banda más brillante que en la actualidad tiene un formato septeto y con sede en Santiago. Es el Septeto Santiaguero.

Ni demasiado joven ni demasiado vieja, esta banda es el mejor ejemplo de son cubano para el nuevo milenio. Fundada en 1995 por Fernando Dewar, director de la banda, el Septeto Santiaguero reúne a siete músicos virtuosos forjado en los santuarios musicales como La Casa de la Trova o El Patio de los Dos Abuelos, y además tiene en su línea de tres solistas vocales, Rubén Matos (también guitarra y bajo), Inocencio Heredia y Borges, Ismael y Alberto Castellanos en la batería, Adolfo Aguilera en el bajo y Lobaina Edy en la trompeta, además de la ya mencionada Dewar

Un auténtico ‘dream team’ del son cubano, que alberga cinco discos en su trayectoria musical, y que ahora presenta una nueva producción, editada por Picap, grabada a caballo entre los míticos estudios Siboney de Santiago de Cuba (donde Compay Segundo realizó sus primeras grabaciones) y Axis de Madrid, y masterizado en el estudio 44.1 de Aiguaviva (Girona) por Toni París. «Oye mi son santiaguero» es el título de este nuevo álbum del Septeto Santiaguero, a ritmo de guaracha, bolero, son y changüí, que incluye 11 temas de nuevo cuño, uno de ellos, «Cuestiones de amor», obra del famoso sonero cubano Adalberto Álvarez.

El ritmo contagioso del Septeto, con esas letras picantes y con doble sentido tan típicas de la guaracha, afloran desde el primer tema, «Esa niña, qué cintura» (clip), donde se lanza un guiño a la Charanga Habanera con el estribillo «que dicen que soy un temba, que ya pasé de cuarenta, y solo tengo una jeva cuando me pasa la cuenta». Más explícitos y picarones son los temas «Son cocos», una oda sonera a ciertas protuberancias de la anatomía femenina o «La acupuntura», que empieza con esta sutileza: «Yo sé de una acupuntura que tiene punta y que es dura, si tú sabes colocarla en el punto deseado, el resultado logrado no tiene lugar a dudas».

En el CD no falta un homenaje a un país latino donde se aprecia la música del Septeto, «Colombia», («Qué india y que buena: Bogotá, Santa Marta, Barranquilla y Cartagena...»), para concluir a ritmo de changüí guantanamero, «La fiesta del changüí», tal como mandan los cánones musicales orientales. (Xavier Rossell)

Ya está disponible en:

Septeto Santiaguero "Oye mi son santiaguero"

En formato físico en la web de Picap: www.picap.cat

Ignacio Piñeiro (1888-1969) dejó un importantísimo legado en la historia de la música afrocaribeña, no sólo por ser uno de sus mejores compositores, pero también por la creación del Septeto Nacional en 1927. Es más, todavía se dice que fue Piñeiro quien creó el termino salsa con su número “Échale salsita”. Lo impresionante es que sus contribuciones todavía viven, y ahora, el Septeto Nacional, esta vez con su cuarta generación de músicos, nos brindan el precioso y festivo “¡Sin Rumba No Hay Son!”.

Catorce son los temas que componen este efervescente compacto, abriendo con “Embale tiene la Llave”, una potente guaracha dedicada al cantante Carlos Embale, donde Agustín Someillan García inmediatamente nos endulza con su trompeta, y Francisco Oropeza hace lo mismo con el bongó. De mi predilección también son “El Plato Roto”, “Arrolla Cubano”, “La Rumba no es como ayer”, y “Se te acabó la pared”. Sin embargo, los que siempre están conmigo, son sus versiones de los clásicos “La Mulata Rumbera”, cantada por Bertha Portuondo, y “¿Dónde andabas anoche?”. Este último es el nombre original de esa pieza que conocemos como “Avísale a mi Contrario”.

El Septeto Nacional son los guerreros del ayer, hoy, mañana y siempre. Ellos preservan el son para las futuras generaciones, en tiempos donde los jóvenes están buscando otras avenidas musicales. Nuestro apoyo incondicional para ellos – siempre. (EEG)

Willie Colón “Asalto Navideño: Edición Limitada 2010” (Código / Fania)

Al Código adquirir el prestigioso sello Fania y afiliados, ellos no perdieron ningún minuto y rápidamente han estado lanzando al mercado los álbumes de su catálogo, esta vez con abundantes notas y el material depurado digitalmente. Una de esas producciones, que se dice ya se había agotado en CD, la constituye un clásico de nombre “Asalto Navideño”, con la orquesta de Willie Colón y la voz de Héctor Lavoe. Debido al éxito obtenido, a esta histórica y popular producción le siguió el igualmente festivo “Asalto Navideño Vol. 2”. Ahora, Código sabiamente ha juntado ambos trabajos en el elegante e importante paquete de CDs doble “Asalto Navideño: Edición Limitada 2010”.

“Asalto Navideño” es un trabajo cargado de sentimiento puertorriqueño, que le eriza los bellos a cualquiera, aunque uno no sea necesariamente boricua. Una gran parte de esto se debe, sin lugar a dudas, a la presencia de Yomo Toro en el cuatro, quien le da ese sabor jíbaro que nos pone nostálgicos de nuestras respectivas tierras. Abriendo con la voz del DJ Polito Vega, donde introduce a los miembros de la orquesta, hasta el último tema -- la plena “Vive tu vida contento” --, este es un álbum de fiesta, donde se incluye el folklórico “Canto a Borinquen”, la famosa “Murga Panameña”, y los clásicos navideños “Aires de Navidad”, “Potpurrí Navideño”, y “Traigo la salsa”. Sin embargo, mi favorito de toda la vida es “Esta navidad”, con un mensaje de hermandad entre los boricuas, y uno de los mejores solos de cuatro en la historia de la salsa, de parte de Toro. En lo personal, mi parte predilecta son las armonías de piano del Prof. Joe Torres, de esas que salen del corazón, y que los pianistas de ahora parecieran incapaces de generar.

“Asalto Navideño Vol II” tiene sus diferencias del primer volumen, gracias a su propia identidad. Esta segunda parte preserva exitosamente el sentimiento boricua de la primera, además de conservar el sabor nuevayorquino inyectado por Colón. Pero, además de todo eso, este álbum tiene una intensidad más fuerte que su predecesor. Esto se debe a los sonidos agresivos de trombón, evidenciados, por ejemplo, en los temas “Cantemos” y “Arbolito”, con arreglos que incluyen las famosas moñas de trombón entre Willie y Eric Matos. Matos, en mi opinión, ha sido el mejor acompañante de trombón que Willie ha tenido. Ayuda, además, el trabajo en el sonido hecho por Jon Fausty, ingeniero estrella de la Fania. Explosivo también es el arranque de “La Banda”, un número que debió ser hit, pero que fuera opacado por una orquesta cuyo nombre no recuerdo, y que copió el tema de Colón para esa misma época, haciendo mucho dinero en Latinoamérica. Este álbum también tiene la presencia poderosa de Yomo Toro, quien le da vida a la producción. Escuchen su solo en “Doña Santos”, y verán por qué.

Aunque “Asalto Navideño” es el favorito sentimental de muchos, pienso que “Asalto Navideño Vol II” es también necesario en la colección musical navideña de cualquier hogar latino. Ahora podemos disfrutar ambos con “Asalto Navideño: Edición Limitada 2010”. Estos álbumes se grabaron en grupo, y están llenos de sentimiento y energía, lo cual no tienen los CDs hoy día, donde los músicos graban por separado, y se pierde la autenticidad. El paquete también consta de un librito con la historia de la grabación, y los créditos pertinentes. Además, esta edición tan especial incluye un adorno navideño conmemorativo del 2010. (EEG)

Luisito Rosario representa uno de los valores de la salsa actual, y en poco tiempo ha cantado con las grandes orquestas, incluyendo Larry Harlow y Los Hermanos Moreno. Pero, como todo talento, Luisito también necesita demostrar que tiene lo suyo, y así precisamente lo la hecho con el flamante y alegre “Casino Rueda”, su nuevo álbum como solista.

La producción consta de diez piezas, todas enrumbadas a diferentes públicos, pero provistas de sabor. “Casino Rueda”, número que le da nombre al compacto – y uno de mis favoritos – arranca el mismo, a manera de contagiosa guaracha. Me gustaron además “Dame la Oportunidad”, otra guaracha; “La Malanga Brava”, con solos de flauta por Ronnie Amoros y conga por Juan Pérez; y “Na, Na, Na, Na”, tema coral hábilmente mezclado con rap. Rosario incursiona cantando en inglés en “Nothing’s gonna change my Love for you” y “Here I go again”, las cuales termina en español.

Luisito Rosario tiene todo lo necesario para triunfar en la salsa actual, y ciertamente la mejor escuela. Para el que no lo conoce, “Casino Rueda” es una excelente carta de presentación. (EEG)

En nombre Mazacote tampoco debe ser nuevo para todo conocedor de salsa. Todo salsero residente de Los Ángeles, California, ciertamente tiene que haber visto o escuchado de Orlando López “Mazacote”, un cubano líder de orquesta que ha estado en la batalla desde que yo haga uso de memoria, y que ha generado varios trabajos discográficos a lo largo de su extensa carrera. “Salsa en Candela”, su más reciente y explosiva producción, es, en mi opinión, la mejor de su legado hasta la fecha – un pastel para los bailadores y amantes de la buena salsa.

El CD, el cual nos presenta ocho temas, abre contagiosamente con “Qué lástima”, pieza que una vez popularizara Oscar D’León. Aquí inmediatamente disfrutamos con Martín Padilla, veterano cantante boricua residente de Los Ángeles, cuya voz de alguna manera es similar a la del sonero venezolano. De mi gusto muy particular también disfruté de la guaracha “Cada Día”, que consta de un arreglo muy progresivo, y “Salsa Pa’l Congreso”, un flamante y merecido homenaje al promotor angelino Albert Torres. Sabrosas también están “Juliana”, clásico de Cuco Valoy, en una nueva y pegajosa versión, y “El Orangután”, alegre guaracha que cierra el compacto. Debo decir que, además de Padilla, el compacto cuenta con el espléndido talento vocal de Lalo Alfaro.

Me alegra mucho que Mazacote todavía se encuentre en la batalla. “Salsa en Candela”, cuya exquisita portada fue diseñada por mi buen amigo Carlos Velásquez, representa otra grata adición a la historia de la salsa en California. (EEG)

Yiannis Hrysomalis, mejor conocido como Yanni, es un pianista griego de renombre, principalmente en la llamada música “new age”, o, como dice él, música “contemporánea instrumental”. Nominado para Grammys por sus trabajos “Dare to Dream” e “In My Time”, este talentoso artista entró de lleno en la música mundial gracias al álbum “Yanni Live at the Acropolis”. Ahora, con una nueva casa disquera, Yanni nos presenta el muy elegante, exquisito y apasionado “Mexicanísimo”.

Esta maravillosa producción cuenta con doce temas, donde Yanni le brinda un tributo a México, interpretando algunos clásicos de la música de ese gran país. Pero, además del piano del maestro, la grabación consta de una majestuosa orquesta, provista de violines, violas, guitarras, vihuelas, guitarrones, trompetas, saxofones, coros, y más. El resultado, como es de esperarse, es espectacular, mis favoritas siendo “El Cascabel”, “El Son de la Negra”, “Silverio Pérez” (con la voz de Pepe Aguilar, compañero de sellos discográfico), “Guadalajara”, “Mi Ciudad” (cantada por Lucero, también compañera del sello Venemusic), María Bonita”, “La Malagueña”, y “México Lindo y Querido”.

“Mexicanísimo” es un tesoro musical que le brinda un goce profundo al corazón, rindiéndole a la vez, un tributo al talento y herencia artística de una gran nación. Estoy seguro que lo disfrutarán como lo hice yo. (EEG)

3D Ritmo de la Vida “Santa Claus llegó a la Ciudad - Santa Claus is Coming to Town” (Producción Independiente)

El percusionista Michael Tate y el guitarrista Chris Amelar, los genios detrás del fabuloso grupo nuevayorquino 3D Ritmo de Vida, responsables del flamante CD “Que Siga la Rumba”, han realizado el perfecto regalo de navidad, con el tema “Santa Claus llegó a la Ciudad”

El single, con la exquisita voz de Jerry López, es una mezcla perfecta de varios ritmos que caracterizan a la cultura latinoamericana, incluyendo Calypso, Salsa y Funk. Es una pieza sabrosa y contagiosa, adecuada para alegrar cualquier fiesta, ya sea en el sur o en el norte, este u oeste, y el mismo está disponible en español (Santa Claus llegó a la Ciudad), inglés (Santa Claus is coming to town), e instrumental. (EEG)

El nuevo álbum del salsero cubano Issac Delgado, “L-O-V-E” es un buen ejemplo. Hace unos años, el cineasta español Fernando Trueba y el escritor y productor cubano Nat Chediak (propietarios del sello Calle 54, el mismo en el que grabaron Bebo Valdés y El Cigala) le produjeron un disco a la cantante española Martirio, que titularon ‘Primavera en Nueva York’. En él exploraron con notable éxito artístico la fusión del bolero y el jazz. Ahora han hecho lo mismo para Delgado, quien rinde aquí homenaje a la música de Nat King Cole y cuenta, de hecho, con la presencia de su hermano, Freddy Cole, en dos cortes.

“L-O-V-E” es una de esas producciones que dan gusto por el cuidado que evidentemente se puso en todos los detalles, desde la selección y secuencia del repertorio hasta su atractivo empaque estilo digipak, sin olvidar, por supuesto, la calidad de los arreglos y de los músicos. El pianista John di Martino -quien tocó durante años con la banda New World Spirit de Ray Barretto y tiene varios proyectos muy interesantes de jazz latino- estuvo a cargo de los arreglos, mientras que Brian Lynch (trompeta), Conrad Herwig (trombón), Ken Peplowski (clarinete y saxo tenor) y Romero Lubambo (guitarras) colorean varios cortes.

Esa es, precisamente, una de las razones del éxito de este recital: no todos los músicos mencionados participan en todos los cortes, lo que brinda variedad colorística (sobresalen particularmente el feeling nocturno de la trompeta de Lynch en ‘Perfidia’ y ‘Hojas muertas’, así como el sedoso saxo tenor de Peplowski en ‘Aquellos ojos verdes’). Y no todo es bolero: ‘Piel Canela’ es interpretado en ritmo de cha-cha-cha, ‘Yo vendo unos ojos negros’ como una chacarera y el tema titular como salsa. Delgado, por su parte, no cuenta con un registro vocal amplio, pero sí con calidez y una dicción muy clara; se diría que el suyo es un “cool filin”.

Firmemente enraizado en la tradición del bolero, pero imaginativo y con una aceptable dosis de jazzeo, “L-O-V-E” es un álbum que fluye con cautivante naturalidad. Uno de los discos del año. www.calle54records.com (Rafael Vega Curry)

There are films that inadvertently affect you and cause an impact that make you question what is that you just saw. They make you ask if there was a meaning or message involved, and they also surprise you in many other ways. That is the best way – for now, at least – that I can describe “Undertow” (Contracorriente), one of the most remarkable and passionate Peruvian movies that I have seen in quite some time. And I’m sure that there will be some that label it controversial. Hell, for that matter, I would also describe it as educational.

Miguel (Cristian Mercado) is happily married to Mariela (Tatiana Artengo). Theirs is a simple life, in a small coastal Peruvian town, where Miguel makes a living as a fisherman. They also happen to be anxiously waiting for the birth of their first child. However, one of Miguel’s relatives dies, and it’s up to him to give the last rites before the corpse is buried in the sea – a tradition in this village. It is at this point that we meet Santiago (Manolo Cardona), who appears out of nowhere, taking photographs at the funeral ceremony, particularly of Miguel. As it turns out, both men have been lovers for some time, and Santiago came to town -- he’s from the big city, from a wealthy family – to convince Miguel to go away with him on a vacation. Theirs, also, is a secret, illicit love. This, of course, is a problem for Miguel, because his wife is about to deliver his child any minute. Santiago seems to not understand Miguel’s position, and gets upset at his lover. Eventually and mysteriously, Santiago disappears, and that’s when Miguel’s problems really begin.

“Undertow” is not just any gay movie, as you may think during its first minutes. It is quite a powerful indictment against many issues at the same time. It asks the question about what it is to be a real gay male. How do you know if it is just a one event thing? It also questions the values of a small town in regards to loyalty and friendship, and the power of gossip. It also talks about true love under harsh conditions, and director by Javier Fuentes-León does a fantastic job in gluing all these feelings together. The acting is superb, as well as the natural colorful locations. Not in vain, the film deservedly won awards at the Sundance, Miami and San Sebastian International film festivals. (Peru, Colombia, France and Germany; 2009, color 100 min)

Cuban films, most of which were hard to find in the United States, now are becoming available in amazing quantities. And this is great, because these movies, for better or for worse, talk for the Cubans and their realities. “Alice in Wondertown” (Alicia en el Pueblo de Maravillas) is a superb example of this. It is a quite a smart, entertaining, and mostly funny film, that takes a satirical look at day-to-day life on the island.

The movie was inspired by Lewis Carroll’s classic “Alice in Wonderland,” and it stars Thais Valdés, who plays Alicia Díaz, a TV reporter that decides to quit her job, and go to work to the town of Maravillas de Noveras, where she will work as an acting teacher. Once she arrives, she realizes that this is no ordinary town, which in part makes sense, because it doesn’t belong to any Cuban province, but it is rather located between two of them. Maravillas is always windy and dark, and Alicia learns that she will be working at the Sanatorium Treatment (known as SATAN), a convalescence hospital, in which she will be putting together plays for their theater. However, it doesn’t take time for her to discover that there is a method to the madness of the city, and SATAN itself provides the key to the insanity in Maravillas. She will try to change things for good, and is told that “if you want to live here, you have to earn it.” Got that right.

Ably directed by veteran Daniel Díaz Torres, who was also responsible for the critically successful “Hacerse el Sueco” (2001), “Alice in Wondertown” talks to us about life in Cuba and issues of censorship. And this is curious, because, in a way, the film perhaps indirectly sends a message to those that claim that there is total lack of freedom in the island. The DVD also includes the short “Paul Kopinsky,” by Malte Ollroge; an interview with Daniel Díaz Torres; a director’s note on the film’s 17^th birthday; and more. (Cuba, 1990, color, 93 min plus additional materials).

I Need That Record! The Death (or Possible Survival) of the Independent Record Store – MVD Visual

I don’t know about you, but in recent years I have become addicted to collecting vinyl records. And the reason is simple: some of the music that was recorded on vinyl will never make it to the CD format, making vinyl records our own small treasures, something that, maybe, in the future, will be recognized as such. So, when I watched the incredibly absorbing and illuminating “I Need That Record! The Death (or Possible Survival) of the Independent Record Store,” I knew I was in heaven. I know this territory well – been there, done that, if you will.

The documentary covers many areas of recorded music at the same time. It smartly alternates the current state of the music industry with the history of recorded music. It tells us right away that 3,000 independent record stores have closed in the US in the past decade. Director Brendan Toller, who also wrote and edited the film, knows his turf really good, and goes around several stores which are barely surviving or are about to close – some closed during production --, and interviews their owners. Their stories give us a clear picture of the problem. We are told, for example, that there is no artist development anymore, and that it is more about the profit for the labels. We also learn that since the fifties, when payola was introduced, music was affected because the labels hired independent promoters to play the singles on the radio. We are informed, for instance, that 63 spins of a JLO single go for $3,600. Interestingly enough, too, is the fact that Clear Channel, according to the filmmakers, owns 1,200 radio stations, and that a study shows that some radio stations play the same song 73% of the time. Toller goes on and explains the impact of the so-called “Big Box” stores (Wal-Mart, Target, Borders, etc.) on the independent artists and music in general. He also examines the birth of MP3s, iPods, and the current resurgence of vinyl. Of course, he also delves into the 2004 suit that the RIAA filed against 4,769 music downloaders. The film is also aided with the participation of musicians Chris Franz (Talking Heads), Thurston Moore (Sonic Youth), Lenny Kaye (Patti Smith Group), as well as writer, historian, and linguist, Noam Chomsky.

When you are done watching this unforgettable documentary, you are left with a feeling of sadness and nostalgia, especially those of us who have seen better times. Perhaps the feeling was captured best by one of the clients at Trash American Style, one of the many independent stores that closed down during the production of the film, when he said, “The kind of music that is interesting and stimulates your mind is at this store, not at the mall.” In addition, Chomsky reminds us that “local stores provided a sense of community.” “I Need That Record! The Death (or Possible Survival) of the Independent Record Store” is powerful, a true testament of our times. The DVD also includes more than two hours of extras, with extended interviews. (USA, 2009, color, 77 min plus additional materials)

I always enjoy a great documentary, especially if it is loaded with historical archival footage. The Disney Studios have been releasing impressive quantities of historic material through a wide variety of DVDs and Blu-rays, the most valuable -- I think --, being the DVD tin can collections. “Waking Sleeping Beauty,” in a way, is part of this important trend. It is a fascinating and informative independently-made feature that tells the history of how the Disney Studios resurrected their animation movies and, once again, made them money-makers.

The film is meticulously put together by director Don Hahn, who takes us through a step by step process that brought back the dormant animation department. We are immediately told that “from 1984 to 1994, a perfect storm of people and circumstances changed the face of animation forever.” It then takes us to the successful opening of “The Lion King” in 1994. From then on, we go all the way to 1980, when the animation department at the Disney Studios was going downhill. A new generation of animators, including Ron Clements, John Musker, Glen Keane, Joe Ranft, Tim Burton, and others, were working at the studios at the time, but little was generated. We see footage of them working and clowning around in their offices. We also see some of the old-timers, such as Don Bluth, Woolie Reitherman, Ollie Johnston, Eric Larson, and others. The studio was run at the time by Ron Miller and Roy Disney, and there was trouble on the horizon. Bluth took some of the young animators with him, to form their own company, and there were threats of take-over by other big players. It was then that Michael Eisner, from Paramount Studios, and Frank Wells, from Warner Brothers, were hired by Disney to save the day. Eisner became the Chairman and Wells the Chief Operating Officer.

The film documents in detail how Eisner and Wells changed the structure of the Disney Studios, to the point that the employees referred to them as the “Hollywood Invasion,” due to the business practices that they brought with them. Eisner then brought Jeffrey Katzenberg on board to run Disney’s film division. In fact, it was Katzenberg who allegedly said, “We got to wake up Sleeping Beauty.” On the other hand, Peter Schneider was hired to save the animation division. With time, and after some mistakes, the team work began to pay off, with the successful releases of ‘The Little Mermaid,” “Beauty and the Beast,” “Aladdin,” culminating with “The Lion King” in 1994. Along the way, we witness how Spielberg affected the recovery process, how computer animation and Pixar began to make a name, and how songwriters Howard Ashman and Alan Menken left a huge mark with their creativity. Of course, the tension between Roy Disney, Eisner and Katzenberg, which ended with Katzenberg departing the company, is also documented.

“Waking Sleeping Beauty” is gold and a must for all film historians and Disney lovers in general. Hahn, who is one of Disney’s star producers, had access to great footage and key personnel. The DVD also includes deleted scenes, a segment about Walt Disney, Studio tours, audio commentaries by Hahn and Peter Schneider, and much more. Released November 30, 2010. (USA, 2009, color, 86 min plus additional materials)

Rachel Corrie may be a name that few people recognize. Her death was not big news in the major media in the United States. But some of us, who look for more sources of information, knew about her, and how impacting her death was to people of good will around the world. Directed by Simone Bitton, “Rachel” is a brilliant and honest documentary that examines Rachel’s final days in smart and unbiased way.

Rachel Aliene Corrie was born in the United States on April 10, 1979, and went to school at the Evergreen State College in Olympia, Washington. Bitton intelligently uses notes from Rachel’s diary as part of the narration, which gives us an idea of what a decent, idealistic woman she was.

The film opens with Rachel arriving to Jerusalem on January 25, 2003. From then on, Bitton examines all the activities that lead to the sad day, on March 16, 2003, when Rachel was crushed by an Israeli army D9 bulldozer, which weights 65 tons, while trying to peacefully stop the vehicle from conducting land grading work. According to the Israeli army, this work was done “to reduce the capacity of terrorist organizations to lay explosives in piles of dirt construction debris.” The piece of land that the Israelis refer to is a strip between the Israeli occupied land and Palestinian homes, in an area of the Gaza Strip known as the Philadelphi Road. The Israeli Army has maintained that it was an accident and that the bulldozer’s driver didn’t see Rachel. However, witnesses – including fellow peace activists from the International Solidarity movement and Palestinian neighbors – indicate that it was deliberate. To get a better picture and understanding of what went on, Bitton was able to interview key people that were involved on this tragic event, such as Dr. Ahmad Khalid Abu Nakira, who attended Rachel when she was taken to the hospital with multiple fractures; Shami Cohen, military police investigator; Major Avital Leibovich, spokesperson for the Israeli Army; Rachel’s parents; and members of the ISM, who coordinates and trains peaceful protests on the Gaza Strip. Amazingly enough, Bitton also includes footage from an interview conducted with the driver of the bulldozer.

“Rachel” is well-done and doesn’t take sides, but is does answers many questions about 23-year old Rachel’s death. It’s up to you to make your own conclusions, but if you watch the “Death in Gaza,” which documented journalist James Miller’s death by the Israeli Army on May 2, 2003, just a couple months after Rachel’s, and under almost the same circumstances, you can’t help but notice a curious trend. (France / Belgium, 2009, color, 100 min)